La historia del cine negro no comienza en Hollywood, sino en el París de la posguerra. En agosto de 1946, el crítico francés Nino Frank vio un conjunto de películas policiales estadounidenses que habían sido prohibidas durante la ocupación nazi y notó algo extraño: no eran historias de detectives ordinarias[s]. Estos nuevos films, observó Frank, se preocupaban «menos por la resolución de un crimen que por una exploración de las debilidades humanas de los protagonistas y la psicología que gobierna su comportamiento»[s]. Los llamó «films noirs», que significa «películas oscuras», y un género fue bautizado.
Lo que distingue la historia del cine negro
El estilo es inmediatamente reconocible: héroes cínicos, iluminación cruda, flashbacks, tramas intrincadas y una filosofía existencialista de fondo[s]. Pero el cine negro nunca fue un género oficial para quienes lo hacían. Los directores creían estar rodando policiales, thrillers y melodramas románticos. Los franceses detectaron el patrón primero porque recibieron las películas de golpe, despojadas del marketing de Hollywood que ocultaba sus conexiones.
El artículo original de Frank de 1946 identificaba cuatro películas fundacionales: El halcón maltés (1941), Laura (1944), Asesinato, mi amor (1944) y Perdición (1944)[s]. Tres fueron adaptadas de novela negra dura (Hammett, Chandler, Cain); la cuarta, Laura, procedía de la novela de misterio de Vera Caspary. Todas presentaban protagonistas moralmente comprometidos. Todas sumergían sus relatos en las sombras.
Las sombras de la guerra
La historia del cine negro no puede separarse del trauma que lo engendró. La oscuridad de estas películas reflejaba el desencanto de la época[s]. El pesimismo y la desilusión habían ido creciendo en la psique americana desde la Gran Depresión, y la Segunda Guerra Mundial los intensificó. Tras la guerra, una economía de paz inestable, el macartismo y la amenaza de la guerra atómica crearon lo que Britannica describe como «un sentimiento colectivo de incertidumbre»[s].
Varios films noirs cuentan la misma historia: un veterano de guerra regresa a casa para descubrir que el modo de vida por el que combatió ya no existe[s]. Películas como The Blue Dahlia (1946) y Dead Reckoning (1947) presentan a hombres a la deriva en una América transformada, «modernizada, sin corazón, fríamente eficiente e indiferente ante cuestiones como la corrupción política y el crimen organizado»[s].
La conexión alemana
El lenguaje visual central en la historia del cine negro proviene de Alemania. El estilo sombrío puede rastrearse hasta el cine expresionista alemán de la era del cine mudo[s]. El gabinete del doctor Caligari (1920) de Robert Wiene estableció las técnicas fundacionales: cámaras inclinadas, imágenes distorsionadas, iluminación en claroscuro donde solo los rostros emergen de la oscuridad[s].
Cuando los nazis llegaron al poder, muchos de estos cineastas huyeron a Hollywood. Fritz Lang, director de Metrópolis y M, el vampiro de Düsseldorf, escapó de Alemania en 1933 tras que Joseph Goebbels le comunicara, según se dice, que Hitler quería ponerlo al frente de la industria cinematográfica nazi[s]. Lang eligió el exilio. Él y otros emigrantes llevaron consigo sus técnicas visuales: Robert Siodmak, Billy Wilder, Otto Preminger, Curtis Bernhardt[s]. Estos extranjeros transformaron el cine policial americano en algo más oscuro y psicológicamente complejo que cualquier cosa que Hollywood hubiera producido antes.
La femme fatale y el detective de novela negra
El cine negro desarrolló dos tipos de personajes centrales. El detective de novela negra, iniciado en la literatura popular por Carroll John Daly y popularizado por Dashiell Hammett y Raymond Chandler, era un antihéroe cínico que combatía tanto el crimen organizado como un sistema judicial corrupto[s]. Sam Spade, Philip Marlowe y sus émulos eran duros pero condenados, lúcidos ante la corrupción del mundo pero incapaces de escapar de ella.
La femme fatale resultaba más controvertida. Era «una mujer seductora y hermosa que trae la desgracia a cualquiera con quien mantiene una relación amorosa»[s]. La Phyllis Dietrichson de Barbara Stanwyck en Perdición (1944) se convirtió en el prototipo: calculadora, rubia platino, con gafas de sol oscuras y tobillera dorada, seduciendo a un agente de seguros para cometer un asesinato[s].
Algunos estudiosos sostienen que la femme fatale reflejaba la ansiedad ante el cambio en los roles de género. Durante la Segunda Guerra Mundial, las mujeres se incorporaron al mundo laboral en cifras sin precedentes. Las mujeres peligrosas del cine negro representaban, según el ACMI, «un intento de demonizar a la mujer independiente de los años de guerra»[s].
El fin del período clásico
El período clásico de la historia del cine negro duró aproximadamente 17 años, desde El halcón maltés (1941) hasta Sed de mal (1958). El thriller fronterizo de Orson Welles, con su famoso plano secuencia inicial, es reconocido hoy como «una de las últimas joyas del período clásico del cine negro»[s]. Para entonces, la televisión había cambiado los hábitos del público, el cine en color se estaba convirtiendo en la norma y las angustias de posguerra que alimentaron el cine negro cedían paso a otras preocupaciones.
Pero el estilo nunca murió del todo. Las películas de neo-noir, desde Chinatown (1974) hasta L.A. Confidential (1997) y Drive (2011), siguen empleando el vocabulario visual y la ambigüedad moral del cine negro. El género bautizado por críticos franceses en 1946 sigue siendo una de las contribuciones más duraderas del cine al lenguaje visual.
La historia del cine negro comienza con un acto crítico de nominación. El 28 de agosto de 1946, el crítico francés Nino Frank publicó en L’Écran français un artículo titulado «Un nouveau genre ‘policier’: L’aventure criminelle» que identificaba una nueva tendencia en el cine policial americano[s]. El término «films noirs» no se generalizaría en los círculos críticos internacionales hasta que Raymond Borde y Étienne Chaumeton publicaron el Panorama du film noir américain en 1955[s]. Los cineastas americanos de la época nunca emplearon el término; creían estar haciendo policiales, thrillers y melodramas.
La fenomenología de la historia del cine negro
Lo que Frank reconoció fue un desplazamiento en el énfasis narrativo. Los nuevos films, escribió, se preocupaban «menos por la resolución de un crimen que por una exploración de las debilidades humanas de los protagonistas y la psicología que gobierna su comportamiento»[s]. Las cuatro películas que analizó, El halcón maltés, Laura, Asesinato mi amor y Perdición, tres de ellas adaptadas de novela negra de Hammett, Chandler y Cain, Laura extraída de la novela policial de Vera Caspary[s], compartían un estilo que Britannica codificaría más tarde como «héroes cínicos, efectos de iluminación crudos, uso frecuente de flashbacks, tramas intrincadas y una filosofía existencialista de fondo»[s].
El debate sobre si el cine negro constituye un género, un estilo o simplemente una categoría crítica nunca se ha resuelto. Chris Fujiwara señala que los autores de estas películas «no las concebían como ‘films noirs’; creían estar haciendo policiales, thrillers, misterios y melodramas románticos. La inexistencia del ‘noir’ como categoría de producción durante el supuesto apogeo del cine negro problematiza evidentemente la historia del género»[s].
Contexto social de la posguerra
La historia del cine negro es inseparable de su momento histórico. La oscuridad reflejaba «el desencanto de la época», un pesimismo que creció durante la Depresión y se intensificó con la guerra[s]. Los factores de posguerra, entre ellos la inestabilidad económica, el macartismo y la angustia nuclear, «se manifestaron en un sentimiento colectivo de incertidumbre»[s].
Una estructura narrativa recurrente en el cine negro muestra al veterano que regresa para descubrir que «el modo de vida por el que combatió ya no existe»[s]. Películas como Cornered (1945), The Blue Dahlia (1946), Ride the Pink Horse (1947) y Dead Reckoning (1947) presentan una América «modernizada, sin corazón, fríamente eficiente e indiferente ante cuestiones como la corrupción política y el crimen organizado»[s].
El período clásico del cine negro «comprende un ciclo de películas producidas en Hollywood entre los años 1940 y 1950. Al abordar las secuelas de la Depresión y la Segunda Guerra Mundial, estos filmes eran thrillers criminales con un tono deliberadamente sombrío y una estética experimental que los distinguía de las producciones habituales de Hollywood»[s].
La herencia del expresionismo alemán
La gramática visual del cine negro deriva del expresionismo alemán. «El estilo sombrío del cine negro puede rastrearse hasta el cine expresionista alemán de la era del cine mudo»[s]. El gabinete del doctor Caligari (1920) de Robert Wiene estableció las técnicas fundacionales: «cámaras inclinadas para presentar imágenes oblicuas y una atmósfera oscura en la que solo eran visibles los rostros de los actores»[s].
El expresionismo alemán «estableció convenciones narrativas y visuales que configurarían el cine para siempre, como puntos de vista subjetivos, narrativas no lineales, finales sorprendentes, movimientos de cámara desencadenados, ángulos de filmación oblicuos, diseño de producción expresionista e iluminación en claroscuro»[s].
El mecanismo de transmisión fueron los cineastas emigrados que huían de la persecución nazi. Fritz Lang escapó de Alemania en 1933 tras que Goebbels le comunicara, según se dice, que Hitler quería encargarle la creación del cine nacional-socialista[s]. Hollywood absorbió «un creciente grupo de cineastas europeos que habían huido de los nazis, entre ellos Billy Wilder, Henry Koster, Fred Zinnemann y Robert Siodmak, así como los actores Hedy Lamarr, Conrad Veidt y Peter Lorre»[s]. Directores clave del cine negro como «Robert Siodmak, Fritz Lang, Jacques Tourneur y Otto Preminger» llevaron la sensibilidad expresionista al cine policial americano[s].
La ficción de novela negra como material fuente
El fundamento literario del cine negro fue la novela negra dura, «un género literario que comparte algunos de sus personajes y escenarios con la ficción policial» cuyos protagonistas «luchan contra la violencia del crimen organizado que floreció durante la Ley Seca en Estados Unidos (1920-1933)»[s]. El estilo «fue iniciado por Carroll John Daly a mediados de los años 1920, popularizado por Dashiell Hammett a lo largo de la década y perfeccionado por James M. Cain y Raymond Chandler a partir de finales de los años 1930»[s].
Estos autores proporcionaron el material fuente para las películas canónicas del cine negro. «Muchas de estas historias, escritas por autores célebres del género como Raymond Chandler, Dashiell Hammett, James M. Cain y Mickey Spillane, fueron llevadas al cine después de la Segunda Guerra Mundial»[s].
La femme fatale como síntoma cultural
El arquetipo de la femme fatale «aparece a lo largo de la historia en la mitología, el arte y la literatura, y se convirtió en personaje central de las novelas de detectives de novela negra dura y el cine negro clásico del siglo XX»[s]. La Phyllis Dietrichson de Barbara Stanwyck en Perdición (1944) es «considerada a menudo» la «femme fatale prototípica del cine negro»: «una rubia platino calculadora, con gafas de sol oscuras y tobillera dorada, que seduce a un agente de seguros para que mate a su marido»[s].
La proliferación de femmes fatales ha sido interpretada como respuesta al cambio social en tiempos de guerra. «Durante la Segunda Guerra Mundial, las mujeres se incorporaron de forma creciente al mercado laboral y descubrieron mayor autonomía e independencia. Esto se expresa principalmente en el cine negro a través del tropo de la femme fatale, que «fue un intento de demonizar a la mujer independiente de los años de guerra»»[s].
Periodización y legado
El período clásico del cine negro abarca aproximadamente 17 años, convencionalmente fechados desde El halcón maltés (1941) hasta Sed de mal (1958). El último film de Orson Welles para un gran estudio de Hollywood «fue un fracaso de taquilla, pero con el tiempo fue reconocido como una de las últimas joyas del período clásico del cine negro de los años 1940 y 1950»[s].
La historia del cine negro continúa a través de los revivals del neo-noir que despliegan el vocabulario visual y temático del género en contextos contemporáneos. El género que los críticos franceses identificaron en 1946 estableció un lenguaje cinematográfico, nacido de la ficción de la era de la Depresión y el expresionismo alemán, filtrado por el trauma de la posguerra, que sigue configurando la representación cinematográfica de la ambigüedad moral y la alienación urbana.
