Die Geschichte des Film noir beginnt nicht in Hollywood, sondern im Paris der Nachkriegszeit. Im August 1946 sieht der französische Kritiker Nino Frank eine Reihe amerikanischer Kriminalfilme, die während der deutschen Besatzung verboten gewesen waren, und bemerkt etwas Merkwürdiges: Dies sind keine gewöhnlichen Detektivgeschichten[s]. Diese neuen Filme, so Frank, beschäftigen sich „weniger mit der Lösung eines Verbrechens als mit einer Erkundung der menschlichen Schwächen der Protagonisten und der Psychologie, die ihr Verhalten antreibt“[s]. Er nennt sie „films noirs“, also „dunkle Filme“, und ein Genre erhält seinen Namen.
Was die Geschichte des Film noir auszeichnet
Der Stil ist unverwechselbar: zynische Helden, harte Beleuchtung, Rückblenden, verworrene Handlungen und eine existentialistische Grundphilosophie[s]. Doch für die Menschen, die ihn schufen, war Film noir kein offizielles Genre. Die Regisseure glaubten, Kriminalfilme, Thriller und romantische Melodramen zu drehen. Die Franzosen erkannten das Muster als Erste, weil sie die Filme auf einmal sahen, befreit vom Hollywood-Marketing, das ihre Gemeinsamkeiten verschleiert hatte.
Franks Originalartikel von 1946 identifizierte vier Gründungswerke: The Maltese Falcon (1941), Laura (1944), Murder, My Sweet (1944) und Double Indemnity (1944)[s]. Drei davon waren Adaptionen von Hardboiled-Kriminalromanen (Hammett, Chandler, Cain); Laura basierte auf Vera Casparys Kriminalroman. Alle zeigten moralisch kompromittierte Protagonisten. Alle tauchten ihre Geschichten in Schatten.
Die Schatten des Krieges
Die Geschichte des Film noir lässt sich nicht vom Trauma trennen, das ihn hervorbrachte. Die Dunkelheit dieser Filme spiegelte die Desillusionierung der Zeit wider[s]. Pessimismus und Ernüchterung hatten sich in der amerikanischen Psyche seit der Weltwirtschaftskrise angesammelt, und der Zweite Weltkrieg verstärkte sie. Nach dem Krieg schufen eine instabile Friedenswirtschaft, der McCarthyismus und die Bedrohung durch Atomwaffen das, was Britannica als „ein kollektives Gefühl der Ungewissheit“ beschreibt[s].
Mehrere Film-noir-Werke erzählen dieselbe Geschichte: Ein Kriegsveteran kehrt heim und muss feststellen, dass die Lebensweise, für die er gekämpft hat, nicht mehr existiert[s]. Filme wie The Blue Dahlia (1946) und Dead Reckoning (1947) zeigen Männer, die in einem veränderten Amerika treiben, einem Land, das „modernisiert, herzlos, kalt effizient und gleichgültig gegenüber Dingen wie politischer Korruption und organisiertem Verbrechen“ geworden ist[s].
Der deutsche Einfluss
Die visuelle Sprache, die das Herzstück der Geschichte des Film noir bildet, kommt aus Deutschland. Der schattenreiche Stil lässt sich bis zum deutschen Expressionismus der Stummfilmära zurückverfolgen[s]. Robert Wienes Das Kabinett des Doktor Caligari (1920) begründete die Techniken: geneigte Kameras, verzerrte Bilder, Chiaroscuro-Beleuchtung, bei der nur die Gesichter aus der Dunkelheit auftauchen[s].
Als die Nationalsozialisten an die Macht kamen, flohen viele dieser Filmemacher nach Hollywood. Fritz Lang, der Metropolis und M gedreht hatte, verließ Deutschland 1933, nachdem Joseph Goebbels ihm angeblich mitgeteilt hatte, Hitler wolle ihn an die Spitze der nationalsozialistischen Filmindustrie stellen[s]. Lang wählte das Exil. Er und andere Emigranten brachten ihre visuellen Techniken mit: Robert Siodmak, Billy Wilder, Otto Preminger, Curtis Bernhardt[s]. Diese Außenseiter formten das amerikanische Krimikino zu etwas Dunklerem und psychologisch Komplexerem, als Hollywood je zuvor hervorgebracht hatte.
Die femme fatale und der Hardboiled-Detektiv
Der Film noir entwickelte zwei zentrale Figurentypen. Der Hardboiled-Detektiv, von Carroll John Daly in der Pulp-Literatur begründet und von Dashiell Hammett und Raymond Chandler popularisiert, war ein zynischer Antiheld, der sowohl gegen das organisierte Verbrechen als auch gegen ein korruptes Rechtssystem kämpfte[s]. Sam Spade, Philip Marlowe und ihre Nachfolger waren zäh, aber dem Untergang geweiht, der Korruption der Welt gegenüber hellsichtig, jedoch außerstande, ihr zu entkommen.
Die femme fatale war umstrittener. Sie war „eine verführerische und schöne Frau, die jedem, mit dem sie eine romantische Beziehung eingeht, Unglück bringt“[s]. Barbara Stanwycks Phyllis Dietrichson in Double Indemnity (1944) wurde zum Prototyp: berechnend, platinblond, dunkle Sonnenbrille und goldenes Fußkettchen tragend, einen Versicherungsvertreter in einen Mord verlockend[s].
Einige Wissenschaftler argumentieren, die femme fatale habe die Angst vor veränderten Geschlechterrollen widergespiegelt. Während des Zweiten Weltkriegs traten Frauen in nie dagewesener Zahl ins Berufsleben ein. Die gefährlichen Frauen des Film noir stellten laut ACMI „einen Versuch dar, die unabhängige Frau der Kriegsjahre zu dämonisieren“[s].
Das Ende der klassischen Periode
Die klassische Periode der Geschichte des Film noir dauerte etwa 17 Jahre, vom The Maltese Falcon (1941) bis zu Im Zeichen des Bösen (1958). Orson Welles‘ Grenzthriller, mit seiner berühmten langen Eröffnungseinstellung ohne Schnitt, gilt heute als „eines der letzten Meisterwerke der klassischen Film-noir-Periode“[s]. Inzwischen hatte das Fernsehen die Sehgewohnheiten des Publikums verändert, Farbfilm war zum Standard geworden, und die Nachkriegsängste, die den Film noir gespeist hatten, wichen anderen Anliegen.
Doch der Stil starb nie wirklich aus. Neo-noir-Filme von Chinatown (1974) über L.A. Confidential (1997) bis Drive (2011) setzen das visuelle Vokabular und die moralische Ambiguität des Film noir weiter ein. Das Genre, dem französische Kritiker 1946 seinen Namen gaben, gehört zu den dauerhaftesten Beiträgen des Kinos zum visuellen Erzählen.
Die Geschichte des Film noir beginnt mit einem kritischen Akt der Benennung. Am 28. August 1946 veröffentlichte der französische Kritiker Nino Frank in L’Écran français einen Artikel mit dem Titel „Un nouveau genre ‚policier‘: L’aventure criminelle“, der eine neue Tendenz im amerikanischen Kriminalfilm identifizierte[s]. Der Begriff „films noirs“ wurde erst nach der Veröffentlichung von Raymond Bordes und Étienne Chaumetons Panorama du film noir américain im Jahr 1955 in internationalen Kritikerkreisen geläufig[s]. Die amerikanischen Filmemacher der Ära verwendeten den Begriff nie; sie glaubten, Kriminalfilme, Thriller und Melodramen zu drehen.
Die Phänomenologie der Geschichte des Film noir
Was Frank erkannte, war eine Verschiebung in der Erzählgewichtung. Die neuen Filme, so schrieb er, beschäftigten sich „weniger mit der Lösung eines Verbrechens als mit einer Erkundung der menschlichen Schwächen der Protagonisten und der Psychologie, die ihr Verhalten antreibt“[s]. Die vier von ihm analysierten Filme, The Maltese Falcon, Laura, Murder My Sweet und Double Indemnity, drei davon nach Hardboiled-Romanen von Hammett, Chandler und Cain, Laura nach Vera Casparys Kriminalroman[s], teilten einen Stil, den Britannica später als „zynische Helden, harte Lichteffekte, häufige Verwendung von Rückblenden, verworrene Handlungen und eine existentialistische Grundphilosophie“ definieren würde[s].
Die Debatte darüber, ob Film noir ein Genre, einen Stil oder lediglich eine kritische Kategorie darstellt, wurde nie beigelegt. Chris Fujiwara stellt fest, dass die Macher dieser Filme „sie nicht als ‚films noirs‘ betrachteten; sie glaubten, Kriminalfilme, Thriller, Mysterien und romantische Melodramen zu drehen. Die Nichtexistenz von ‚Noir‘ als Produktionskategorie während der angeblichen Hochzeit des Film noir stellt die Geschichte des Genres offensichtlich vor Probleme“[s].
Gesellschaftlicher Kontext der Nachkriegszeit
Die Geschichte des Film noir ist von ihrem historischen Moment nicht zu trennen. Die Dunkelheit spiegelte „die Desillusionierung der Zeit“ wider, ein Pessimismus, der in der Depression gewachsen und durch den Krieg verstärkt worden war[s]. Nachkriegsfaktoren wie wirtschaftliche Instabilität, McCarthyismus und Atomangst „manifestierten sich in einem kollektiven Gefühl der Ungewissheit“[s].
Eine wiederkehrende Erzählstruktur im Film noir zeigt den heimkehrenden Veteranen, der entdeckt, dass „die Lebensweise, für die er gekämpft hat, nicht mehr existiert“[s]. Filme wie Cornered (1945), The Blue Dahlia (1946), Ride the Pink Horse (1947) und Dead Reckoning (1947) zeigen ein Amerika, das „modernisiert, herzlos, kalt effizient und gleichgültig gegenüber Dingen wie politischer Korruption und organisiertem Verbrechen“ geworden ist[s].
Die klassische Periode des Film noir „umfasst einen Filmzyklus, der in Hollywood zwischen den 1940er und 1950er Jahren produziert wurde. Diese Filme, die sich mit den Nachwirkungen der Depression und des Zweiten Weltkriegs beschäftigen, waren Kriminalthriller mit einem unverwechselbar düsteren Ton und einem experimentellen Look, der sie von Hollywoods üblichen Produktionen unterschied“[s].
Das Erbe des deutschen Expressionismus
Die visuelle Grammatik des Film noir leitet sich vom deutschen Expressionismus ab. „Der schattenreiche Stil des Film noir lässt sich bis zum deutschen expressionistischen Kino der Stummfilmzeit zurückverfolgen“[s]. Robert Wienes Das Kabinett des Doktor Caligari (1920) begründete die grundlegenden Techniken: „geneigte Kameras zur Darstellung schiefer Bilder und eine dunkle Atmosphäre, in der nur die Gesichter der Schauspieler sichtbar waren“[s].
Der deutsche Expressionismus „etablierte narrative und visuelle Konventionen, die das Kino für immer prägen sollten, wie subjektive Perspektiven, nichtlineare Erzählungen, unerwartete Enden, entfesselte Kamerabewegungen, schräge Filmwinkel, expressionistisches Bühnenbild und Chiaroscuro-Beleuchtung“[s].
Als Übertragungsweg dienten Emigrantenfilmemacher, die vor der nationalsozialistischen Verfolgung flohen. Fritz Lang verließ Deutschland 1933, nachdem Goebbels ihm angeblich mitgeteilt hatte, Hitler wolle ihn mit der Schaffung eines nationalsozialistischen Kinos beauftragen[s]. Hollywood absorbierte „ein wachsendes Milieu europäischer Filmemacher, die vor den Nazis geflohen waren, darunter Billy Wilder, Henry Koster, Fred Zinnemann und Robert Siodmak sowie die Schauspieler Hedy Lamarr, Conrad Veidt und Peter Lorre“[s]. Wichtige Noir-Regisseure wie „Robert Siodmak, Fritz Lang, Jacques Tourneur und Otto Preminger“ brachten expressionistische Sensibilität in das amerikanische Krimikino[s].
Hardboiled-Literatur als Quellenmaterial
Das literarische Fundament des Film noir war die Hardboiled-Detektivgeschichte, „ein Literaturgenre, das einige seiner Charaktere und Schauplätze mit der Kriminalliteratur teilt“ und Protagonisten zeigt, die „gegen die Gewalt des organisierten Verbrechens ankämpfen, das während der Prohibition in den USA (1920-1933) florierte“[s]. Der Stil „wurde Mitte der 1920er Jahre von Carroll John Daly begründet, von Dashiell Hammett im Laufe des Jahrzehnts popularisiert und ab Ende der 1930er Jahre von James M. Cain und Raymond Chandler verfeinert“[s].
Diese Autoren lieferten das Quellenmaterial für kanonische Film-noir-Werke. „Viele dieser Geschichten, geschrieben von berühmten Autoren des Genres wie Raymond Chandler, Dashiell Hammett, James M. Cain und Mickey Spillane, wurden nach dem Zweiten Weltkrieg verfilmt“[s].
Die femme fatale als kulturelles Symptom
Der Archetypus der femme fatale „erscheint in der Geschichte in Mythologie, Kunst und Literatur und wurde zur zentralen Figur in den Hardboiled-Detektivromanen und dem klassischen Film noir des 20. Jahrhunderts“[s]. Barbara Stanwycks Phyllis Dietrichson in Double Indemnity (1944) gilt „oft als“ die „prototypische femme fatale des Film noir“: „eine berechnende, platinblonde Frau mit dunkler Sonnenbrille und goldenem Fußkettchen, die einen Versicherungsvertreter dazu verleitet, ihren Mann zu töten“[s].
Die Häufung von femmes fatales wurde als Reaktion auf den gesellschaftlichen Wandel in der Kriegszeit gelesen. „Während des Zweiten Weltkriegs traten Frauen in zunehmendem Maße in den Arbeitsmarkt ein und entdeckten mehr Handlungsspielraum und Unabhängigkeit. Dies äußert sich im Film noir vor allem durch den Trope der femme fatale, der ‚ein Versuch war, die unabhängige Frau der Kriegsjahre zu dämonisieren'“[s].
Periodisierung und Vermächtnis
Die klassische Noir-Periode erstreckt sich über etwa 17 Jahre, üblicherweise datiert vom The Maltese Falcon (1941) bis zu Im Zeichen des Bösen (1958). Orson Welles‘ letzter Film für ein großes Hollywood-Studio „war ein Kassenflop, wurde aber in späteren Jahren als eines der letzten Meisterwerke der klassischen Film-noir-Periode der 1940er und 1950er Jahre anerkannt“[s].
Die Geschichte des Film noir setzt sich durch Neo-noir-Wiederbelebungen fort, die das visuelle und thematische Vokabular des Genres in zeitgenössischen Kontexten einsetzen. Das Genre, das französische Kritiker 1946 identifizierten, begründete eine Filmsprache, geboren aus der Literatur der Depressionsjahre und dem deutschen Expressionismus, gefiltert durch das Trauma der Nachkriegszeit, die weiterhin prägt, wie das Kino moralische Ambiguität und urbane Entfremdung darstellt.
